The Search of the Lost. On Rémi Pinauds short film „Moleque“

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In his works, Remi Pinaud has given us a spectacular insight into the nightlife of Paris and also, together with Benoit Mery, has taken a look across the border to feel for the last remains of the Summer of Love in the south of Germany.

This essay is concerned with “Moleque”, in which this writer-director really kills and prooves himself an emotionally insightful storyteller. An artist to reckon with in the future.

The ‘mumblecore’ style of filming gets its name by it’s non-perfect technical characteristics: the audio may tend to be muffled. More importantly, it is just a low- (or non-) budget way of making a film, often by casting friends and shooting with basic, self-owned equipment. In this manner, movies were made in the last few years, that draw a certain feel of authenticity from the roughandready look, they have. For critical journalism, this storytelling also supports credibility, but can additionally have another effect: The fact, that all is filmed basically on the streets, adds to a certain “sketch-like” appeal. The thesis of a film like that can be stronger and more clear, than in technically more advanced and ornamented movies. In their reductionism, those rugged productions can outrun a major blockbuster, when there’s a story behind it.

“Moleque” is a short movie. For just around fifteen minutes we follow along on the search of a homeless person (Jose Trassi), who is looking for his companion, which he calls “Moleque”. It is what you call a street person in Sao Paolo and what they call each other. Moleque, that is the guy looking as well as the other guy and all the guys in the streets.

Just awoken from an uneasy dream, the Moleque finds himself in a torn down apartment. Coughing, he sets out to find his friend. “Moleque!” is the constant and increasingly desperate call for the invisible kid brother, that the Moleque is missing from his side. Now the search begins on the sun-scorched streets of Sao Paolo. “Moleque!” will become the mechanically repeated mantra of this journey. Only one man we see travelling through the guts of the south american moloch.  He adresses some people, the security guards, the pedestrians, the garbage-drivers. But the streets of Saint Pauls’ City have silently devoured his friend. It’s either that or this poor devil we see thirstily drinking the last drops from a plastic bottle, is imagining him all along.

 Where can he be? Who can he be? We imagine a rushed little boy somewhere else in this megacity, franticly searching dirty streets. Driven by the sole wish to reunite with the other. At this point in the film, an elegant metaphor becomes apparent.  

 Like those two, a whole sub-society is lost and forlorn. With whom are they trying to reunite? Those thousands and thousands, that are living and dying at the bottom of the city of Saint Paul: The connection is lost from one to another. In a social network, that demands certain social standards from the people connected, single human beings get lost and fall down. 

The Moleque won’t get help from the people he is asking about his brother: “Did not see him”. How would we have? The pedestrians are pushing on. Stories of a lost one take place here every day. And people have grown tired to look at the suffering. The people, that the Moleque encounters, are sitting in their cars, boots or are walking by. They are in most parts not extras or actors, but are just the real citizens of Sao Paolo. They look at the actor Jose Trassi like at any ‘real’ dirt-eater on the streets, who is willing to clean their windshields even with his own clothes. They hardly take any notice of the nameless wanderer. When he’s not seen as a threat, he’s also not a citizen. But merely a regretfully dirty part of the streets of Sao Paolo. Like the dustbins. 

The Moleque continues his search. For his friend, his little brother, but also for some coins, for scraps of food. He finds some pizza in a garbage bag and hungrily eats it. He drinks some leftover lemonade. From time to time he is seized by coughing fits. And time and time again he is calling out for “Moleque!” Actor José Trassi gives an impressive performance. 

After nightfall, the Moleque lays down on a traffic island. Hard to believe, but there’s some peace in the way, he lays his head now. Even if it’s only minutes till he has to rise again, driven though painfully exhausted.

In this short period, we don’t even know, if he will get up again. And even if he will, we feel that the time nears when he cannot carry on anymore. And his search, whatever it means, will be finally over.

This moment of calm: Is it all a dream? Is the little boy, he is looking for, real? Or a feverish idea, an illusion. Spiritual people are welcome to hope that it’s the Divino Niño, the child Christ of the southern Americas, that will lead the poor soul straight into the realms of heaven. 

Death seems to be waiting for him. On the hard ground of Sao Paolo, Moleque will stay lost, we are afraid.

But like an animal, that carries along the scent of death, he drags on. Surrounded by people and yet alone, like in a hostile desert. Clinging to a tiny shard of existence. How many days will he have left for his search?

It’s over, the credits are running. We hit space. Those 15 minutes of film have delivered a good deal of pause. 

The ‘look like homeless’ Trassi makes obvious, that you only have to wear dirty clothes to be perceived as potentially dangerous. It seems difficult for anybody to get back on his feet, when you can’t approach a fellow citizen for a conversation.

Pinauds Moleque is brief and insistent. There is no overture. There is no closure. In our present day, just another Moleque is running out of time.

I don’t have a gun”, he says. Nobody seems eager to bet on that. Can we help a fellow human being, when there’s an armoured car’s glass panel always between us? When we cannot trust one another and are afraid to tend to the people that need help.

The director tells us, that in making the film, the team was accompanied by an armed guard, who lowered his hand to the butt of his revolver, once the filming started. It seems like for the fiction to be made, the reality it was talking about had to be kept at a distance.

Rémi Pinaud and José Trassi are discovering a society way past the 2010s, that has lost not it’s will, but it’s ability for compassion. Pinaud is not Brazilian. But “Moleque” is a tale, that, in it’s basic proposition, could easily be moved to Paris or Berlin.

Who doesn’t know the disinterest towards poverty and distress, that citizens of major cities adjust themselves to, quickly after arriving?

This is one and maybe the only message of this short and compelling work: It is like that, we all know it. The authors of this film do not pretend to know an answer to longstanding social questions. But they are not going to be silent about it either.

 

 

Die Neue Welt

Die Neue Welt kommt, sie macht Idioten. Die Neue Welt kommt, nach der Krise und die Neuen Menschen werden anders sein. Werden sein, was sie essen, was sie tragen, was sie atmen, so wie sie liegen in der Nacht, so wie ihre Freunde sind.

Die Körper werden harte, grobe Muskeln bilden, die edlen Leiber umwuchert sein wie von Würgefeigen. Ihre Hände werden Klauen sein, daran keine Erde, sondern Schmutz der Straße, Flecken von Asphalt und schwarzem Öl. Ihre Haut wird weiß und gelb sein wie Pergament. Dünne schwarze Haare werden sich aus ihren Poren schlängeln, von ewigem Schweiß auf die Haut geklebt.

Ihre Gesichter werden sein wie Masken. Die Lippen fette, blutrote Schnecken. Kein Freudestrahl traf diese Gesichter, solange sie lebten und in den grauen Tag starrten, nichts erwartend, höchstens Schläge und bitteren Regen, der wie Schmutz auf sie fällt. Kinder der Neuen Welt! Die Zähne gelbe, zerschundene Schaufeln, einer nach dem anderen bricht beim Kauen. Sie fressen synthetische Nahrung der großen Fabriken und der chemischen Werke: Gelbe Lappen von Brot, rosa Lappen von Fleisch, gepresst unter Dampf und Druck. Ihre Bäuche vollgestopft mit Volksnahrung, – und lauter Hass. Auf alles. Auf nichts. Auf die da oben. Auf jeden Hund, der vorüberjagt. Die Neue Welt kommt und die Krise der Poesie. Die Menschen von Morgen werden schreien wie Tiere, – blöken wie Schafe, bellen wie Hunde, brüllen wie Kälber: ‘Gebt uns Brot!‘‚ ‘Gebt uns Fleisch!’ Und vor Allem: ‘Gebt uns das Blut der Schuldigen!‘

Perlen liegen herum, aus der Alten Welt: Gefallen beim Übergang – als die Krise kam und fraß und brannte – aus dem Schneckengehäuse der Zeit. Sie werden eine Weile lang den Schimmer noch behalten, und ein letztes Mal spricht man uns frei. Die Neue Welt aber: wie ein unsichtbarer Film liegt sie schon jetzt über unserem Schicksal.

Das Klima wird wärmer, Regen fällt. Ich sehe Gestalten, geduckt zum Sprung, – ihre Hände sind Pfoten, sie haben Panzer wie Schildkröten. Die Kinder der Neuen Welt! Sie schlagen sich wie wilde Mammute, stechen mit hinterhältigen Klingen. Sie stehlen, was sie wollen. Sie haben Blut unter ihren Fingernägeln. Und ihre Augen, gnädiger Gott! Sie sind versteinert, – zu schwarzen Kieseln. Ich sehe am Grunde des Meeres lauter Schlick. Darin ein Schimmer wie von Perlmutt, der auftaucht und von Ewigkeit spricht. Oh, Glanz und Glorie der Alten Welt!

Gut, dass es die Daimons gibt

Lange haben sie mir im Kopf herum gespukt: die Daimons. Jetzt ist ihre Platte raus: Daimons. Berliner Portraits.

Wie nennt man das, was die Daimons machen? Multikulti-Musik? Ethnopop? Weltoptimierungsmusik?

Ich schlage vor: Gut-dass-es-sowas-gibt-Sound. In Berlin war ich mit den Daimons im Aufnahmestudio, als sie ihre Platte gemacht haben: Sie haben das Ding eingespielt, ich hatte eine Molle in der Hand und habe zugehört…

Das Gebäude in Mitte ist plain as day.

Kein Anarcho-Schick. Kein Underground-Feel. Man geht durch einen Hinterhof, wo ein Mittelklasse-Opel parkt, dann ein paar saubere Treppen hinauf.

Oben viele Kabel, die durch den Raum wuchern und an einer Stelle zusammenlaufen: Ein Tonstudio. Hier arbeitet Florian Keyserlingk. Er schiebt die Regler und sagt Nochmal! oder Gut!

Die Daimons, das sind neun. Eine passable Big Band. Ein Apparatus Musicus. Die Herren sind für die Technik zuständig. Die Damen für die Stimmgewalt. Constantin “Conne” Schöttle rappt. Der Front-Man der Daimons sieht ein bisschen aus wie der Front-Boy von der Zwieback-Werbung.

Aber – Scheiße! Der Typ kann rappen. Die Texte, die er und sein Mädchen schreiben, sind keine Kinderschokolade. Klar, es gibt den Wohlfühlstoff, der auf keiner guten Scheibe fehlen darf: “Reläääa-x, relax!”, zum Chillen und einen coolen easy Tag haben…

Titel wie “Irren”, in dem es gegen die Nazis geht, sind topaktueller politischer Stoff, heiß und brisant. Sound, der ein großes Maul hat. Und eine Message.

Sieht man die Daimons live, ist das vielleicht der Moment, wo einem ein Licht aufgeht: Man sucht, aber man sucht vergeblich nach dem Hampeln und Zappeln, den stilistischen Verrenkungen, mit denen sich aufstrebende Musiker gern hervortun… Die Daimons betreiben kaum Image-Building.

Diese Band ist auf eine geradezu irritierende Weise real.

Es ist wie wenn man in der Wüste steht und nach dem Geräusch sucht, das nicht da ist: Stille.

Denkt man an diese voll-synthetischen, durchdachten Szenegruppen, deren Mitglieder sich crazy verkleiden und  hilflos verspätetes Dada produzieren: Ein Kunst-Projekt sind die Daimons nicht. Sie scheinen frei von Verstellung

Sie schlagen nicht ihre Instrumente kaputt. Sie werfen mit nichts, als mit ihrem Sound. Ich bin perplex, – das Maul steht mir weit offen!

Und das ist Jazzadelic Soul.

Die Daimons sind eine Band von lauter Nackten: Die Masken, neun Stück, so kann man vermuten, hängen während des Konzerts in säuberlicher Reihe hinten in der Garderobe.

Die Daimons kommen auf die Bühne mit einem Klang und einem Feeling. Und ohne Fälschung.

Was bleibt?

Musik.

Die DAIMONS sind:

Stephanie Cuff (Gesang)
Anke Schultner (Background)
Eugenia Tapia (Background)
Constantin Schöttle (Rap)
Chris Reinhardt (Saxophon)
Alexander Grünberg (Schlagzeug)
Nicola Fanari / Josip Duvniak (Keys)
Peter Naderer (Bass)
Mike Budden (Gitarre)

Darjeeling

Colour and appearance of a pot of Darjeeling black tea, that I had cooling on my shelf for a while

Galerie: Sebastian Pollozek

Nie ging es mir besser…

Einst war auch ich warm und geborgen. Stumm. Aufgehoben in Unmündigkeit. Und heute noch kämpfe ich, es sein zu dürfen. Scheue ich vor jedem, der mir Sprache einflößen will und der auf mich einredet. In der Tiefe des Raums lag ich einst in nachtschwarzer Dunkelheit. Kein Ermessen außer unbestimmtem Fühlen. Nach allen Seiten mochten Kilometer oder Zentimeter Platz sein, ich wusste es nicht. Nicht zu sagen, ob ich tief unter der Erde oder hoch über ihr wäre. Und es herauszufinden kein Interesse. Ich war zufrieden.

Ich blickte von Anfang mit Bedauern auf die ständig wachsende Klarheit in meinem Leben. Sie sickerte durch, selbst noch, als ich schon dagegen ankämpfte. Wie schmutzige Luft. Wie ein unangenehmer Geruch drang Wahrheit durch die Wände meines Kokons. Wahrheit ist etwas gutes, wie das Messer für den Metzger sein anvertrautes Werkzeug, also etwas gutes ist, dachte ich. Für das Schlachtvieh auf dem Block aber ist ein Messer nichts Gutes. Höchstens etwas Akzeptables, wenn man es nicht ständig vor der Nase hat. Irgendwie ahnte ich, dass mit Wahrheit, reiner Wahrheit um ihrer selbst willen, niemandem so recht geholfen sein dürfte. Die Wahrheit ist so kalt und ungut, wie das Universum weit draussen. Zu sagen, “gebt mir immer mehr Wahrheit” hieße doch, dachte ich, den eigenen Tod zu wünschen. Nur immer kälter wurde es dadurch. In meinem Raum, um mich herum.

Dabei ist frieren wenigstens endlich. Einen Stillstand müsste es hier ja geben. Angeblich bei minus 272 Grad. Erträglichkeit, so scheint es, dachte ich, hat ihren Preis und muss immer mit mit einer gewissen Menge ihres direkten Gegenteils bezahlt werden: Unerträglichkeit. Somit ist jede Minute, in Bewusstsein verbracht, das kostbarste Gut und gleichzeitig unsagbar gefährlich und zweischneidig. Eine Hypothek des Schreckens. Ein Pakt mit dem Satan. Und eigentlich eben nicht für wilde, quietschlebendige Säue gedacht.

Aber niemand kann sich aussuchen, was er ist. Was er ist, das ist jedem eingebrannt. Es gibt nichts Unnachgiebigeres als Ribonukleinsäure. Und somit gibt es keinen Alptraum, der erst noch ausgedacht werden müsste. Jede Nacht und jeder Morgen bringt das tiefste Grauen. Ist erst eine gewisse Dosis an Wahrheit, kalter grimmiger Wahrheit eingesickert, eingedrungen wie radioaktive Strahlung, so steht einem jeden Menschen das Schlimmste bevor: Angst und Schmerz. Ausweglos.

Alleinsein ist eine dieser Prüfungen, eine, der keiner entkommt. Wimmeln, sich verstecken unter sovielen Anderen, das macht paradoxerweise die Einsamkeit deutlich. Ich hatte es versucht, wollte durchgehen als einer von vielen. Hätte man mich gelassen, ich wäre als Geheimnisträger, vielleicht als der Erste überhaupt, bis zum Schluß stumm geblieben. Es muss doch möglich sein, sich wegzuducken, dachte ich. Es gibt doch eigentlich zu viele, als dass jemand den Überblick behalten könnte. Aber man zog mich raus und irgendwie schafften sie es sogar, dass ich Luft in meine Lungen sog und atmete.

Wie schön war es bei meinen schwerelosen Freunden in der Tiefe. Ich war nie ein oberflächlicher Mistkerl. “Für wen halten die sich da oben?” dachte ich. “Wer will mir vorschreiben, ob ich zu schweigen, den Mund zu halten habe, oder ob ich zu sprechen habe, zu plappern wie ein Äffchen? Wer will mich zwingen, zu quaken wie die Enten-Sprecher George Orwells, mich am vibrierenden, nimmerendenden Geschwätz zu beteiligen?”

Mir ging es eigentlich nie besser, als in diesen Untiefen.


Die Seelenlosen

Auf die Obstbäume in der Orangerie des Würzburger Residenzgartens scheint die Sonne, als ich hier gehe, gerade warm genug, den Mantel wegzulassen. So wie es weiter vorne am steinernen Eingangstor zum Residenzgarten heisst: “Die Sonne scheint heute wieder”. Die prunkvollen Gitter von Johann Georg Oegg haben den Krieg irgendwie überstanden. Die Residenz nicht. Jedenfalls nicht so, wie sie war. Ich denke: Oder eben doch, weil: Ist ein Ding dasselbe wenn es wiedererbaut wurde? Ist der Kern das Wahre an einem Ding? Oder die äußere Hülle? Und besonders wahr dann, wenn der Moosbewuchs darauf uns die Zeitlichkeit des Dings darunter vor Augen hält?Der Mensch, so sagt es doch die Wissenschaft, ist sieben Jahre lang derjenige, als der er geboren wurde. Dann spätestens haben sich alle Zellen in seinem Körper ausgetauscht gegen neue. Aber der Mensch hat ja sowieso keine Zeit und ist immer bemüht, Bewuchs von sich fernzuhalten, der sagen könnte, wo überall er schon gelegen oder gestanden haben mag. Seine Seele, denkt er, wird eines Tages erst recht frei von allem sein und davon fliegen.

Als Seelenlose also haben manche den großen Krieg überstanden und sagen nur noch dies: Seht, eure Erinnerung trügt nicht wenn auch ihr mit Schaudern daran zurückdenkt. Als die Feuerwalze kam, von der die Ahnen den Jungen berichten, wie sie Würzburg, die Reiche, verschlang, blickten vielleicht ihre Augen, glühten vielleicht ihre Leiber in den Flammen. Darum stehen sie jetzt hinter Glas. Zu wertvoll die Erinnerung, sie noch einmal der Zeit auszusetzen.

Bräche man sie nun auf, die Schale, worauf der Rost der Zeit wächst. Was hätte man? Worauf blickte man? Was ist der Kern eines solchen Dings? Bruchkanten mit schimmerndem Perlmutt besetzt? Staubige Schichten von glattem schwarzem Schiefer? Und nähme man den Abdruck per 3d-Scan und rekonstruierte das Ding. Aus Plastik, aus Marmor, aus Bronze. Was hätte man? Und ließe man zweihundert Jahre vergehen, die Ereignisse ihren Lauf nehmen. Die Zeit darüberwachsen über das Ding. Was hätte man? Vielleicht dann endlich wieder die Gegenwart in bergender Erinnerung verstaut? Der ertragsreichste und zugleich wohl schönste Zuschnitt für die Krone eines Obstbaums ist eine Kegelform.

Temperierte Malerei: Sebastian Pollozek in der Akademie-Galerie München

Das wohltemperierte Klavier kennt man aus der Musik. Was aber ist temperierte Malerei? In der Akademie-Galerie im Zwischengeschoss der Münchner U-Bahnlinie 3 an der Universität kann man noch bis zum 11. März die Ausstellung von Sebastian Pollozek sehen, deren zentrales Element die Temperierung ist. Es ist ein Ort, an dem täglich hunderte Menschen vorbeigehen. Direkt nebenan kann man sich einen Kaffee holen und ein bisschen vor den Schau-Fenstern verweilen.

Der junge Münchner Maler hat sich auf das Wesentliche beschränkt: 4 Bilder aus seinem neueren Schaffen hängen sachlich ausgeleuchtet in diesem unterirdischen Raum mit den drei Stützpfeilern. Es wäre Platz für eine ganze Reihe mehr gewesen, auch für mehr Brimborium.

„Ein verdichtender Schritt in die Mitte, eine Art elitäre Abgrenzung, ist notwendig, um die Toleranz der Postmoderne nicht mehr in Anspruch nehmen zu müssen“, so der Künstler. Es soll kritisch beleuchtet werden, mit welchen Mitteln eine Neuerung in der Malerei erreicht werden kann. Und ob das bemühte oder gar gewaltsame Ausbrechen-Wollen aus einer Postmoderne Sinn macht, die genau durch diese Dehnung ihres Begriffs und den dadurch aufgeworfenen Diskurs lebt. Die „Schutzschilder“ der Postmoderne, Ironie und Relativismus, werden von diesem Ansatz bewusst ausgeschlossen.

Pollozek verzichtet für die Ausstellung auf intertextuelle Spielereien. Er hat seine Malerei ausstellen wollen, mehr nicht: „Ich bin Maler, also male ich Bilder.“ Die Kunst befindet sich auf den Leinwänden. Die Leinwände hängen an der Wand.

Es gibt keinen Skandal(-Versuch), keine Provokation, keine Exaltiertheit. Wer den Begleittext studiert und dazu die vorangegangenen Bilder dieses Künstlers kennt, merkt: Hier ist einer, der unaufhörlich über der eignen Arbeit brütet und sich nicht zufrieden gibt, nur weil er seine Bilder inzwischen verkaufen kann. Das Bekenntnis zu Form und Vorbildern ist alles andere als Resignation an der Grenze. Die „Phase der Temperierung“ ist vielmehr eine Atempause zu einem bestimmten Zweck. Pollozek ist ein ungebrochener Idealist, der nicht nur den augenblicklichen Erfolg im Blick hat: Eines Tages muss es in der Kunst wieder eine große Bewegung geben. Mittels gründlicher Vorbereitung soll irgendwann wieder Neues erreicht werden. Evolution statt Revolution, Geduld bei der Herausbildung des eigenen Charakters und kontinuierliches Voranschreiten statt kurzlebiger Erfolgs-Genüsse.

Dabei liegt ein besonderes Gewicht auf dem Verhältnis zwischen Meister und Schüler. Statt den gesamten Fokus auf Superlative und Extreme zu richten, hat Pollozek bewusst zurückgeschaltet: Es ist wichtig, Vorbilder anzuerkennen und durch die Chance einer solchen Beziehung zu wachsen. Auch das meint die Temperierung.

Auf die kommenden Werke dieses Künstlers darf man jedenfalls gespannt sein.

Kontakt: s.pollozek@gmx.net

Pollozek verzichtet für die Ausstellung auf intertextuelle Spielereien. Er hat seine Malerei ausstellen wollen, mehr nicht: „Ich bin Maler, also male ich Bilder.“ Die Kunst befindet sich auf den Leinwänden. Die Leinwände hängen an der Wand.

Es gibt keinen Skandal(-Versuch), keine Provokation, keine Exaltiertheit. Wer den Begleittext studiert und dazu die vorangegangenen Bilder dieses Künstlers kennt, merkt: Hier ist einer, der unaufhörlich über der eignen Arbeit brütet und sich nicht zufrieden gibt, nur weil er seine Bilder inzwischen verkaufen kann. Das Bekenntnis zu Form und Vorbildern ist alles andere als Resignation an der Grenze. Die „Phase der Temperierung“ ist vielmehr eine Atempause zu einem bestimmten Zweck. Pollozek ist ein ungebrochener Idealist, der nicht nur den augenblicklichen Erfolg im Blick hat: Eines Tages muss es in der Kunst wieder eine große Bewegung geben. Mittels gründlicher Vorbereitung soll irgendwann wieder Neues erreicht werden. Evolution statt Revolution, Geduld bei der Herausbildung des eigenen Charakters und kontinuierliches Voranschreiten statt kurzlebiger Erfolgs-Genüsse. Dabei liegt ein besonderes Gewicht auf dem Verhältnis zwischen Meister und Schüler.

Panama auf Deutsch

Der Brite ist in Honduras angeblich mit der Pistole bedroht und um ein bisschen Kleingeld erleichtert worden. Auf einen Käfer in Honduras, sagt er, ist mit der Kalaschnikow geschossen worden. Ein Ladrón hat erst vor wenigen Tagen den Wachtposten eines Pfandleihers, direkt hier unten, neben dem Cafe Coca Cola, auf der Avenida Central, erschossen und ist danach seinerseits erschossen worden. Es ging um den Preis für eine billige Armbanduhr.

Mexico auf deutsch

Wenn die Schatten der grauen Riesen in unserem Rücken länger werden, auf den Sand und aufs Wasser fallen, kann man eine futuristische Endzeitstimmung genießen. Kurios vermischt mit einer Ahnung von Geschichte. Trotzig braust das Meer gegen die Vulkanfelsen im Wasser. Graue Gischtfetzen spritzen in die Luft und fangen dort ein paar letzte Lichtstrahlen auf. Hinter sich vermutet man eine leere, zubetonierte Welt.